Posłuchaj, jak powieściopisarze Jeffrey Brown, Ivan Brunetti, Anders Nilsen i Chris Ware omawiają swoje powieści graficzne Powieściopisarze graficy Jeffrey Brown, Ivan Brunetti, Anders Nilsen i Chris Ware omawiają swoje rzemiosło. Dzięki uprzejmości Northwestern University (partner wydawniczy Britannica) Zobacz wszystkie filmy do tego artykułu
gdzie znajdują się strażnicy Teksasu?
Powieść graficzna , w amerykańskim i brytyjskim użyciu, rodzaj tekstu łączącego słowa i obrazy – zasadniczo komiks, chociaż termin ten najczęściej odnosi się do pełnej historii przedstawionej jako książka, a nie jako czasopismo .
Sztuka Spiegelman, 2008. Nadja Spiegelman
Termin Powieść graficzna jest sporny . Od lat 70. XX wieku, gdy dziedzina studiów komiksowych po raz pierwszy pojawiła się jako naukowiec dyscyplina , naukowcy i inni próbowali zdefiniować słowo komiksy oraz wygenerować krytyczną terminologię odpowiednią do poparcia tej definicji. Debata nad tak zwanymi powieściami graficznymi dotyka tej złożonej sytuacji. Dla wielu słowo komiksy oznacza pismo dla dzieci, wydawane co tydzień lub co miesiąc, sprzedawane w kioskach lub w specjalistycznych sklepach z komiksami, często ze stronami poświęconymi reklamie oraz, gdy są przeznaczone dla młodszych czytelników, konkursami i łamigłówkami. W przeciwieństwie, Powieść graficzna jest zwykle rozumiany jako długa komiczna narracja dla dojrzałej publiczności, publikowana w twardej lub miękkiej oprawie i sprzedawana w księgarniach, z poważnymi motywami literackimi i wyrafinowaną grafiką.
Jednak te różnice są nieco fałszywe, ponieważ komiksy można znaleźć we wszystkich kształtach i formatach, przemawiają do wielu różnych grup i przedziałów wiekowych oraz objąć ogromna różnorodność gatunki i style. Co więcej, powieści graficzne często nie są oryginalnymi publikacjami, lecz przepakowanymi zbiorami komiksów wydawanych seryjnie. Podczas gdy niektóre materiały są produkowane specjalnie na rynek powieści graficznych, księgarnie i biblioteki nie robią prawdziwego rozróżnienia, więc termin Powieść graficzna często nie służy żadnemu poważnemu celowi opisowemu. Być może lepiej rozumieć go jako termin marketingowy mający na celu przywrócenie komiksu odbiorcom niewygodnym lub zakłopotanym przez otaczające ich skojarzenia (np. że czytelnik komiksu jest młody i niepiśmienny). Stopień, w jakim termin ten oznacza różnicę stylu lub formy w stosunku do komiksu, jest znikomy, ale należy zauważyć, że teksty, które pierwotnie są przeznaczone do publikacji w formie książkowej, czasami wykorzystują możliwości dłuższej narracji, różnych formatów i lepszej jakość papieru, co można postrzegać jako argument za zachowaniem rozróżnienia między komiksem a powieścią graficzną.
Argument jest dodatkowo komplikowany przez fakt, że rzekoma potrzeba terminu Powieść graficzna wyrasta z tego, co można by uznać za kulturę amerykańską i brytyjską uprzedzenia . W Europie kontynentalnej ani w Japonii nie jest wymagany żaden równoważny termin, gdzie akceptacja komiksu zarówno jako formy sztuki, jak i trybu literackiego jest bezproblemowa. W Europie, a zwłaszcza we Francji, komiksy lub komiczny (narysowane paski), od dawna są gromadzone w wysokiej jakości albumach, o tematyce i stylach odpowiednich dla dojrzałej publiczności. Ten komiks dla dorosłych kultura bardzo wygodnie współistniał z komiksami dla dzieci, bez rzekomej sprzeczności w kategoriach. W Japonii ogromna część populacji rutynowo czyta komiksy (tzw rękaw ), które osiągają oszałamiającą różnorodność gatunków i tematów. Pojawienie się terminu Powieść graficzna należy zatem rozumieć w kategoriach postaw kulturowych, które go ukształtowały.
Termin komiksy wywodzi się z tzw. śmiesznych stron, które znajdowano w gazetach z końca XIX i początku XX wieku. W Stanach Zjednoczonych komiksy zostały po raz pierwszy opublikowane jako oddzielne jednostki, gdy narodził się komiks w nowoczesnym formacie, w latach 30. XX wieku. Mniej więcej w tym samym czasie w Wielkiej Brytanii publikacje zawierające ilustrowane historie tekstowe powoli ustępowały miejsca komiksom, a następnie komiksom. W tym czasie gatunek humoru zaczął ustępować miejsca książkom akcji, kryminałów i fantasy. Te połączyły się, aby stworzyć superbohatera gatunek muzyczny , który zdominował rynek amerykański. W Wielkiej Brytanii największą popularnością cieszyły się wojny, sport i science fiction. Jednak mimo że komiksy były zróżnicowane pod względem treści, ich skojarzenie z humorystyczną i młodzieżową rozrywką utrzymywało się, więc określenie komiksy zatrzymany (i jest powszechnie używany jako rzeczownik w liczbie pojedynczej w odniesieniu do medium). Pojawienie się undergroundowych komiksów takich jak R. Okruchy w latach 60. przyniósł ze sobą nowy termin: komik —oznaczające treści X i tabu, które odpowiadały na ruch kontrkulturowy. Chociaż taka praca była wyraźnie zorientowana na dorosłych, wyróżniała się również od głównego nurtu dystrybucją i jakością materiału. Podziemny komiks krążył raczej przez sklepy z dopalaczami (sklepy sprzedające fajki z marihuaną i inne akcesoria związane z narkotykami) oraz niezależne księgarnie, a nie przez stoiska z gazetami. Papier, na którym drukowano, był czasami tańszy, a jakość druku była zmienna.
Zobacz wystawę komiksów z różnych krajów, której kuratorem jest bibliotekarz Liladhar Pendse w UC Berkeley's Doe Library. Odwiedź wystawę 2016-17 „Beyond Tintin and Superman: The Diversity of Global Comics”, której kuratorem jest bibliotekarz Liladhar Pendse w UC Berkeley's Doe Library. Wyświetlane za zgodą Regentów Uniwersytetu Kalifornijskiego. Wszelkie prawa zastrzeżone. (Partner wydawniczy Britannica) Zobacz wszystkie filmy do tego artykułu
co to jest nauka o żywych istotach
W latach 70. nastąpił wzrost zainteresowania akademickiego komiksem, a wielu z tych komentatorów celebrowało pracę Crumba obok Winsora McCaya i George'a Herrimana. komiks twórcy z początku XX wieku. Starali się również potwierdzić znaczenie komiksu, zagłębiając się w prehistorię tego medium, odnajdując rodowód tekstów słowno-obrazowych, które wyewoluowały z malowideł jaskiniowych, egipskich hieroglifów i rzeźb Majów, iluminowanych rękopisów, tkaniny z Bayeux, wczesnego drzeworytu, seryjne ilustracje Williama Hogartha i Rodolphe'a Töpffera oraz ryciny Williama Blake'a. Szczególnie ważny był Töpffer, XIX-wieczny szwajcarski artysta, często opisywany jako ojciec współczesnego komiksu. Hogarth, osiemnastowieczny angielski satyryk, przewidział zabawne strony pod koniec XIX wieku za pomocą technik wizualnych, które stały się konwencją komiczną. Na początku XX wieku film był pod wpływem komiksów i powieści drzeworytniczych, takich jak Frans Masereel i Lynd Ward (sami częściowo pod wpływem niemieckiego Ekspresjonista kino, a może odwrotnie) były prekursory powieści graficznej.
W ramach tej większej historii kontekst , komiks może być postrzegany zarówno jako starożytne medium, które łączy słowa i obrazy, dwa podstawowe elementy budulcowe komunikacji, jak i jako nowoczesne medium, które wciąż się rozwija i ewoluuje. W ostatniej ćwierci XX wieku termin century komiksy nagle stał się anachroniczny. W 1985 Will Eisner użył tego terminu the sztuka sekwencyjna opisać medium w swojej wpływowej książce Komiksy i sztuka sekwencyjna , a w 1993 roku krytyk Scott McCloud zaproponował tę definicję w swojej książce Zrozumienie komiksów : komiksy są zestawione ze sobą obrazkami i innymi obrazami w przemyślanej kolejności, mającymi na celu przekazanie informacji i/lub stworzenie estetyczny odpowiedź. Temu zainteresowaniu akademickiemu towarzyszył wzrost produkcji komiksów dla dorosłych w Wielkiej Brytanii i Stanach Zjednoczonych. Jak wyjaśnia w swojej książce krytyk kultury Roger Sabin Komiksy dla dorosłych (1993), zawsze istniały komiksy dla dorosłych i dorośli zawsze czerpali przyjemność z komiksów, bez względu na rzekomą publiczność materiału, ale pod koniec lat 70. te dzieci, które przeżyły boom komiksowy lat 60., były teraz starsze i szukały bardziej realistycznych i dojrzałe komiksy. Najwięksi amerykańscy wydawcy komiksów odpowiedzieli bardziej brutalnymi materiałami, a czasami bardziej inteligentnymi komiksami – wiele z nich w formie książek i albumów, naśladujących marketing komiksów w Europie. Były to bezpośrednie prekursory tego, co stało się znane jako powieści graficzne. Powstaniu tego formatu sprzyjały narodziny rynku sprzedaży bezpośredniej (specjalne sklepy z komiksami), co pomogło sformalizować kulturę fandomu wokół komiksu i ujawniło obecność odbiorców o wysokich dochodach rozporządzalnych, na których można było polegać. kupić te nowe drogie książki. Odejście od kiosków stworzyło nowe możliwości, nie tylko pod względem formatu, ale i treści. Niegdyś ścisła cenzura Urzędu Kodeksu Komiksów – grupy branżowej, która nadzorowała przedstawianie seksu i brutalnych treści w komiksach masowych – osłabła i ostatecznie stała się nieistotna dla większości wydawców i konsumentów.
Copyright © Wszelkie Prawa Zastrzeżone | asayamind.com