Opera , dramat inscenizowany z całością muzyki, składający się z utworów wokalnych z towarzyszeniem instrumentalnym i zwykle z uwerturami i interludiami orkiestrowymi. W niektórych operach muzyka jest ciągła przez cały akt; w innych dzieli się na oddzielne części lub liczby, oddzielone recytatywem (dramatyczny rodzaj śpiewu, który zbliża się do mowy) lub mówionym dialog . Artykuł skupia się na operze w tradycji zachodniej. Aby zapoznać się z przeglądem tradycji operowych i podobnych do opery w Azji (szczególnie w Chinach), widzieć odpowiednie działy muzyki chińskiej, muzyki japońskiej, sztuki Azji Południowej i sztuki Azji Południowo-Wschodniej; Zobacz też krótkie wpisy dotyczące konkretnych form opery chińskiej, takich jak chuanqi , jingxi , kunqu , i nanxi .
Trubadur Wykonanie Giuseppe Verdiego Ver Trubadur , 2011. Igor Bulgarin / Shutterstock.com
Angielskie słowo Opera to skrót od włoskiego wyrażenia opera w muzyce (praca w muzyce). Oznacza dzieło teatralne składające się z tekstu dramatycznego lub broszura (broszura), która została oprawiona w muzykę i wystawiona za pomocą scenerii, kostiumów i ruchu. Oprócz śpiewaków solowych, zespołowych i chóralnych na scenie oraz grupy instrumentalistów grających poza sceną, wykonawcami opery od początku jej istnienia często byli tancerze. Złożona, często kosztowna różnorodność muzyczno-dramatyczna, opera przyciągała zarówno zwolenników, jak i krytyków w całej swojej historii, a czasami była celem intensywnych krytyka . Jej krytycy postrzegali ją jako sztuczną i irracjonalną formę sztuki, która wymyka się dramatycznej prawdomówności. Zwolennicy postrzegali to jako coś więcej niż tylko sumę jego części, z muzyką wspierającą i intensyfikującą teksty i działania, aby stworzyć gatunek muzyczny większy wpływ emocjonalny niż muzyka lub dramat, które mogłyby osiągnąć samodzielnie. W swojej autobiografii z 1986 roku reżyser teatralny i filmowy Franco Zeffirelli ostrzegał przed zbyt dosłownym traktowaniem opery:
Niscy mężczyźni w zbrojach i duże panie w szyfonach śpiewają Starożytny Egipt nie mają większego sensu na jednym poziomie, [ale] mogą… ujawnić nam pomieszanie emocji i lojalności, naturę władzy i litości, których nie da się tak wzruszająco wyrazić w żaden inny sposób.
Przygotowanie spektaklu operowego wymaga pracy wielu osób, których łączny wkład czasami rozciąga się na wiek lub więcej. Pierwszym, często niezamierzonym, rekrutem jest prawdopodobnie autor oryginalnej historii. Potem przychodzi librecista, który nadaje opowiadaniu lub sztuce formę – zwykle obejmującą wiersze poetyckie – odpowiednią dla musical oprawa i śpiew. Kompozytor następnie nadaje libretto muzyce. Architekci i akustycy zaprojektują operę odpowiednią lub przystosowaną do występów wymagających sporej sceny; duży obszar za kulisami, w którym można umieścić dekoracje; dół, czyli przestrzeń (często poniżej poziomu sceny) na orkiestrę; i miejsca siedzące dla dość dużej widowni. Producent (lub reżyser) musi określić pracę projektantów, scenografów, klientów i ekspertów od oświetlenia. Producent, kierowca a personel muzyczny musi pracować przez długi czas z chórem, tancerzami, orkiestrą i statystami, a także z głównymi śpiewakami, aby przygotować przedstawienie – praca, która może trwać od kilku dni do wielu miesięcy. Cała ta działalność odbywa się zresztą w powiązaniu z pracą nie tylko badaczy i redaktorów, którzy pieczołowicie przygotowują partyturę muzyczną, zwłaszcza w przypadku wznowień dzieł dawno zapomnianych lub wydanych dawno temu, ale także administracji teatru. personel, w tym impresario i inne osoby odpowiedzialne za rezerwacje, sprzedaż biletów i inne sprawy biznesowe.
Jednym z najbardziej zmiennych aspektów opery w jej długiej historii była równowaga między muzyką a poezją lub tekstem. Współpracownicy pierwszych oper (początek XVII wieku) wierzyli, że tworzą nowy gatunek, w którym muzyka i poezja, by służyć dramatowi, stapiały się w nierozerwalną całość, język będący klasą samą w sobie. — w połowie drogi między mówieniem a śpiewaniem. W następnych dziesięcioleciach i stuleciach równowaga między tymi elementami wielokrotnie przesuwała się na korzyść muzyki kosztem tekstu i integralność dramatu, tylko po to, by zostać sprowadzonym z powrotem do krewnego równowaga przez różne reformy. Możliwa jest jednak więcej niż jedna pożądana równowaga między muzyką, tekstem i dramatem, a z czasem estetyczny ideały opery i jej twórców z powodzeniem dostosowały się do zmieniających się gustów i postaw mecenasów i odbiorców, a także przystosowały się do różnorodność oraz różne preferencje krajowe. W rezultacie opera przetrwała w Western kultura od ponad 400 lat.
Co więcej, od końca XX wieku nowe sposoby dostarczania opery publiczności – na wideo i DVD, w kinematografii lub poprzez symulację w wysokiej rozdzielczości w kinach – sprawiły, że gatunek ten w coraz większym stopniu stał się bardziej dostępny dla szerszej publiczności, a takie nowości nieuchronnie zmieni nastawienie społeczne i uznanie dla formy sztuki. Jednak okaże się, jak te media mogą również zmienić sposób, w jaki kompozytorzy, libreciści, impresaria i wykonawcy podchodzą do opery i czy w konsekwencji muzyczne i teatralne wartości tego gatunku zostaną zmienione w zasadniczy sposób.
Historycy muzyki nadal dyskutują o pochodzeniu opery. Sztuki starożytnych dramaturgów greckich Ajschylosa, Sofoklesa i Eurypidesa łączyły dramat poetycki i muzykę. Podczas Średniowiecze , dramaty biblijne, które były intonowane lub przeplatane muzyką, znane były pod różnymi etykietami, w tym dramaty liturgiczne ( Zamówienia ) i podobne sztuki wystawiane w kościele. Te i pokrewne formy muzyczno-dramatyczne mogły stać się pośrednimi przodkami opery, ale najwcześniej powszechnie zaakceptowani bezpośredni przodkowie opery pojawili się w XVI-wiecznych Włoszech.
Dwory północnych Włoch, a zwłaszcza dwory Medyceuszy Florencja , były szczególnie ważne dla rozwoju opery. Rzeczywiście, Florencja stała się kolebką opery pod koniec wieku, w wyniku zbieg trzech sił kulturowych: ugruntowanej tradycji teatralnej, silnego poczucia obywatelstwa humanizm oraz wyraźnie florencki pogląd na muzykę i jej związek z kosmosem.
Jednym z głównych czynników, które sprawiły, że XVI-wieczna Florencja dojrzała do nadejścia opery, była jej długa tradycja teatru muzycznego, zamanifestowany głównie w produkcjach muzycznych znanych jako pośredni (lub interludia), które zostały wystawione pomiędzy aktami sztuk mówionych. Półprodukty służyło zarówno do sygnalizowania podziałów dramatu mówionego, ponieważ nie było opuszczonej kurtyny, jak i do sugerowania upływu czasu poprzez zawieszenie akcji między jednym aktem sztuki a kolejnym, a w przerwie poprzez użycie postaci i wątki niezwiązane z głównym wątkiem i tylko luźno powiązane z jednym przerywnikiem do drugiego. Dwór florencki oferował wystawne pośredni , zaplanowane i przećwiczone z kilkumiesięcznym wyprzedzeniem i mające na celu zaimponowanie zaproszonym gościom bogactwem, hojnością i mocą ich gospodarzy Medici. za tzw. 1589 pośredni , który był punktem kulminacyjnym miesięcznego cyklu wydarzeń z okazji ślubu wielkiego księcia Ferdynanda Medycejskiego ( Ferdynanda I ) Toskanii z francuską księżniczką Krystyna Lotaryngia , pod przewodnictwem zgromadził się ogromny zespół artystów, rzemieślników, poetów, muzyków, architektów i techników intelektualny kierownictwo wybitnego florenckiego arystokraty Giovanniego Bardiego. Jako duch poruszający program, Bardi ściśle współpracował z lokalnymi poetami i muzykami – niektórzy z nich byli zaangażowani w pierwsze eksperymentalne produkcje operowe dekadę później. W rzeczywistości 1589 pośredni miał wielu tych samych muzyków i prawie wszystkie składniki opery – kostiumy, dekoracje, efekty sceniczne, porywający śpiew solowy, barwną muzykę instrumentalną, wielkie numery łączące głosy i orkiestrę oraz taniec. Powstała jednak jednolita akcja i nowatorski styl dramatycznego śpiewu, które pozostały jednymi z charakterystycznych cech opery.
lista stanów i miast w usa
Copyright © Wszelkie Prawa Zastrzeżone | asayamind.com